FILM AL CINEMA - "La grande bellezza" di Paolo Sorrentino

Sorrentino, da buon ambizioso, stavolta dirige una sorta di remake de "La dolce vita" cinquant'anni dopo, facendo sfoggio di maestria con evidente autocompiacimento. Il problema però non è tanto il confronto con Fellini quanto il non riuscire ad andare oltre la clonazione del suo immaginario per riproporlo allo spettatore contemporaneo in maniera aggiornata ai tempi ma depauperata del pathos e dello spessore lirico che contraddistinguono il cinema - già pienamente decadente - dell'autore riminese. Dal protagonista cinico e disilluso (giornalista scandalistico con un passato da scrittore) alla galleria dei numerosi personaggi che popolano la vicenda (dal cui disegno emerge la crudeltà, il grottesco, la malinconia e, a volte, qualche tratto di tenerezza), dal ritratto della Roma mondana, festaiola e di alto rango agli insistiti richiami cattolici (tra figure di potere ed altre in odore di santità), dagli squarci onirici allo stile rutilante, tutto è una messinscena del capolavoro felliniano e di spunti derivanti da altri suoi film, che cerca di riprodurre la stessa modalità di rappresentazione a partire dall'apparato visivo, con citazioni quasi esplicite di singole scene (come quella del commiato del porporato interpretato da Herlitzka che ricorda il colloquio tra Guido Anselmi ed il Cardinale in "Otto e mezzo").

"La grande bellezza" è quindi innanzitutto un'operazione dichiaratamente di maniera che non aggiunge nulla di originale, un trionfo della forma a scapito della sostanza, un esercizio di stile che si fonda sul vuoto di autentica inventiva. Che Sorrentino fosse un manierista si era capito fin dai suoi esordi ma qui raggiunge un culmine, sia dal punto di vista del talento che della freddezza. Il film è costruito attraverso una serie di procedimenti ad effetto in grado di incantare non poco lo spettatore: narrazione frammentata, virtuosismi di regia (particolari angolazioni di ripresa, movimenti di macchina avvolgenti, uso dello slow motion, ecc.), dialoghi che aspirano all'icasticità (sottolineati dal contrappunto reiterato della voce narrante del protagonista), colonna sonora evocativa (insistita e debordante, usata sia per accentuazione che per contrasto rispetto alle immagini), intensità espressiva degli attori (tutti bravi anche se va fatto un distinguo tra l'impeccabile professionalità di Servillo qui però a sua volta di maniera e le prove più misurate di Verdone e della Ferilli). Il risultato non manca e, da un certo punto di vista, è notevole: ma è come un trompe-l'oeil, tanto vivido quanto illusorio nella sua apparente profondità.

Ciò che riesce meglio a Sorrentino è anche in questo caso l'estetizzazione del malessere e della confusione: il contesto sociale riprodotto, per quanto colto nei suoi vizi come nella sua mancanza di prospettiva, rischia di risultare alla fine comunque più affascinante che desolante, grazie proprio a quella trasfigurazione della realtà operata attraverso i mezzi dell'arte di cui si parlava sopra. Con tutto il potenziale di falsificazione che ne consegue: un conto è il cinema di genere, fiabesco, archetipico, dove lo spazio della rappresentazione si situa esplicitamente in un altrove dell'immaginario, altro conto è la sottotraccia ben concreta ed identificabile di un film come questo, sulla quale si innesta una sofisticazione stilistica tanto raffinata da alterare a proprio piacimento la percezione spettatoriale della realtà di partenza. La magia del cinema viene utilizzata per ipnotizzare, per ammaliare, col risultato implicito di giustificare quel mondo apparentemente tratteggiato con spietatezza. 

La caratteristica che il regista napoletano ha in comune con il David Fincher di "Fight Club" o con il Danny Boyle di "Trainspotting" (dai quali ha ripreso diversi stilemi fin da "Le conseguenze dell'amore") è quella che si potrebbe definire l'estetica della "fighetteria": dai personaggi alle situazioni, ciò che viene messo in scena, per quanto sofferto o abbietto possa essere, alla fine risulta comunque innanzitutto "fico", artificiosamente nobilitato sotto il segno della "bellezza" in modalità trendy. Nel film in questione questo aspetto è evidente soprattutto nella ricerca di un respiro solenne, affidato in buona parte alla voce over del Jep Gambardella di Servillo, il quale, con una modalità che sembra provenire da un western di Sergio Leone, sputa sentenze assolute su argomenti a volte di una sconcertante banalità, che stride con il tono pomposo con il quale vengono pronunciate. Ed è proprio questo personaggio ad essere esemplificativo della tendenza descritta: nonostante tutti i suoi difetti, miserie e magari ridicolaggini, viene ritratto comunque come un vincente, dotato di un suo fascino, un tipo "fico" per l'appunto, sul quale lo spettatore potrà facilmente proiettare la propria identificazione o aspirazione subliminale.
Questa modalità espressiva può in parte spiegare anche il successo dell'opera attraverso il suo effetto parzialmente "drogante": assicura una certa "botta" emotiva, non manca di adrenalina e, soprattutto, altera la percezione della realtà in una maniera in fin dei conti piacevole e, nonostante tutto, gratificante. Il risultato è che, sebbene la vicenda narrata non si proponga certo di essere edificante ed insista anzi sul degrado morale di un certo ambiente, si può uscire dalla sala con un senso di piena soddisfazione e magari con l'aspettativa di provare di nuovo emozioni analoghe al prossimo film dell'autore.

Pier